Un breve recorrido por nuestra percepción de la imagen cinematográfica: de lo victoriano a lo post-moderno

El día 11 de octubre de 2011 se inauguró la sexta edición del Máster en Propiedad Intelectual de la Universidad Autónoma de Madrid. Dicha inauguración tuvo como tema principal una conferencia pronunciada por Jaime Chávarri, que estuvo acompañado por Rodrigo Bercovitz, Director del Máster, y por Elisa Navas directora de la Fundación Giner de los Ríos y representante de la Residencia de Estudiantes, lugar en el que se desarrolló el evento.

Jaime Chávarri (1943-) es Licenciado en Derecho aunque su carrera profesional ha girado en torno al mundo del cine en el que ha trabajado como director, adaptador, guionista y actor. Realizó un recorrido por la evolución de la imagen cinematográfica a lo largo de la historia, desde la época victoriana hasta el post-modernismo.

La primera época a la que se refirió el ponente fue la victoriana, que representa el nacimiento del cine y que trata de imitar lo que la fotografía venía haciendo: una representación idéntica de la realidad tal y como ocurría con la novela y el teatro. En esta época todas las películas eran iguales, tenían la misma fotografía e iluminación. El escenario lo conformaban tres paredes y la cuarta era el espacio para la cámara mientras que la luz del sol entraba por el techo.

Cerca de los años 20 comienza en Alemania el expresionismo. Por primera vez lo que se fotografía es la impresión interior, la angustia, el miedo, lo que se ha vivido en Europa con el horror de la Primera Guerra Mundial. Ya no se trata de mostrar la realidad como en la época victoriana sino de mostrar los sentimientos y las impresiones. Los escenarios cambian, las sombras no se proyectan sino que se pintan en las paredes. Los decorados aparecen inclinados creando una sensación de miedo. Y nace el primer plano en el que se puede ver cómo los actores envejecen.

Otro factor importante en esta época es la visión de la ciencia en el cine. La figura del científico loco capaz de crear monstruos. Además aparece el sonido en el cine que se convierte en un factor determinante a la hora de que el espectador entienda el sentido de la película.

En los años 30 la estética ingeniada por el expresionismo se traslada al cine negro americano. Las películas muestran lo que estaba ocurriendo en Estados Unidos: gánsteres que manejaban grandes cantidades de dinero, mantenían alocadas fiestas en las que se consumía alcohol (coincidiendo con los años de la ley seca), etc. En definitiva, lo que consiguieron estas películas fue que el público admirara la vida de estos gánsteres, les tuviera simpatía. En tales condiciones, la censura no tardó en aparecer.

En los años 40 el blanco y negro y el color llegan a su máxima culminación. El cine en color deja de ser un adorno y empieza a ser algo más importante. Pero el carácter expresionista del cine anterior se va perdiendo. La fotografía, la iluminación, los decorados… son técnicamente perfectos y a la vez bellos, ya no dan miedo. No obstante hay una gran diferencia entre el cine americano y el cine de los países que perdieron la Segunda Guerra Mundial. En Japón es la época de de Godzilla y los grandes monstruos que vienen a reflejar los horrores padecidos en la guerra.

Sin embargo en esta época se produce otro hito, la aparición de la televisión que va a ser la culminación del sueño americano. La calidad no era comparable a la de la pantalla de cine, pero la comodidad que ofrecía no tenía parangón.

Por desgracia, por las limitaciones de tiempo la conferencia finalizó sin que Jaime Chávarri pudiera llegar hasta el postmodernismo.